あおいうには、「幻触」や「カルト」「ブルー」をピグメントに、個人的なトラウマや日常に潜む違和感、PC(ポリティカル・コレクトネス)では無視されがちなマイノリティをペインタリーな美術作品として構築・提示する表現実践を行っている。
作品を公にする行為は、個の痛覚を外部に開き、他者との照応や共鳴を引き起こす装置として機能する。鑑賞者が自身の経験と作品とを照らし合わせることで、内在する傷や記憶を再認識し、癒しや変容の契機を見出すこと。そこに、美術が果たし得る社会的・精神的機能の拡張があると考える。
私が描くことは傷を覆い隠す行為ではなく、むしろ直視し、言語化以前の層で他者と交差させる試みである。その過程において私自身もまた、作品を通じてトラウマを反復し、乗り越える。その連続性こそが、芸術の本質であると確信している。
Using “tactile hallucinations ,” “cult” and “blue” as pigments, Uni Aoi’s expressive practice is to construct and present personal traumas, discomfort hidden in daily life, and minorities that are often ignored by the political correctness as painted art works.
The act of publicly displaying works of art functions as a device that opens the individual’s sense of pain to the outside world and causes it to illuminate and resonate with others.By comparing their own experiences with the works of art, viewers are able to reaffirm their inherent wounds and memories, and find opportunities for healing and transformation.I believe that this is where art can expand its social and spiritual function.
My painting is not an act of covering up wounds, but rather an attempt to look directly at them and intersect with others at a level prior to their verbalization.In the process, I also repeat and overcome trauma through my work.I am convinced that this continuity is the essence of art.